Evento
Cadenza | Exhibition virtuale
MEET ospita Cadenza, Exhibition virtuale che unisce innovatori di arte digitale e musica provenienti da tutto il mondo. L’opening di Cadenza è giovedì 30 sulle scale abitabili di MEET, dove accompagnati dalla curatrice, Julie Walsh, Independent Curator of Digital ArtWalsh Projects, potremo visitare gli ambienti della exhibition virtuale allestita nel Metaverso di Mozilla Hubs e conoscere gli artisti internazionali che vi partecipano, con i visori Oculus a disposizione al nostro VR Corner.
Per accedere alla mostra, clicca qui!
Ecco alcune brevi istruzioni per avere una buona esperienza della mostra all’interno dei Mozilla Hubs.
Assicuratevi di avere:
– un computer (NO smartphone)
– una connessione stabile
– un mouse
– gli auricolari
– per avere una perfetta esperienza di Mozilla Hubs, si consiglia di utilizzare il browser Mozilla Firefox
Ogni sabato e domenica di aprile la mostra è visitabile presso il nostro VR Corner dove potrete vivere un’esperienza immersiva della mostra grazie ai visori Oculus.
CADENZA
Il termine “Cadenza” si riferisce al momento di un’opera musicale in cui uno strumentista o un cantante possono improvvisare al di fuori del ritmo prescritto del brano musicale. Cadenza espone le opere di un gruppo internazionale di innovatori della fusione tra arte digitale e musica. Tra gli artisti figurano: Miao Xiaochun (Pechino), Claudia Hart (New York), Martina Menegon (Vienna) con Alexander Martinz (Vienna), Portrait XO (Los Angeles), Sophie Kahn (Australia), Ranbir Kaleka (Delhi), Matthew D. Gantt (New York), Kim Joon (Corea), Kurt Hentschlager (Austria), Tamiko Thiel (Monaco) e Matteo Zamagni (Londra).
È iniziata una nuova era della XR (extended reality) per i musicisti che lavorano con immagini visive e allo stesso modo per gli artisti digitali che praticano la musica. Queste fusioni audio-visive hanno prodotto nuove forme in cui la musica e l’arte esistono come un’unica espressione pienamente integrata. Nelle opere video, alcuni artisti traducono suoni o musica in un caleidoscopio visiva. Altri artisti lavorano esattamente al contrario, creando prima l’opera visiva e poi trovando il suono o la musica per accompagnarla. Per tutti gli artisti di Cadenza i paesaggi sonori sono fondamentali per le loro opere.
Le ispirazioni musicali di queste opere spaziano dalla musica popolare giapponese alle colonne sonore contemporanee dei film Punjabi, passando per la musica classica, il blues, il pop e il suono sperimentale. Cadenza offre un mondo autonomo in cui diversi tipi di musica possono essere sperimentati insieme alle loro manifestazioni visive. Questa mostra è stata sviluppata durante la pandemia; molti degli artisti indagano tematicamente sull’identità e sulle risposte personali alla pandemia e al confinamento. Spero che questa mostra, che riunisce artisti e compositori di tutto il mondo, fornisca un po’ di conforto e un senso di comunità allargata in questo periodo storicamente difficile.
Julie Walsh, curatrice
Gli artisti e le opere
Kurt Hentschläger
L’arte di Kurt Hentschläger, artista austriaco con sede a New York, è per sua natura interdisciplinare. È sempre stato all’avanguardia negli esperimenti di arte immersiva. È stato uno dei primi innovatori con il suo duo di media art “Granular= Synthesis” tra il 1992 e il 2003. Da molti anni crea ambienti audiovisivi su larga scala e spettacoli dal vivo al confine tra arte visiva, musica e teatro.
Tra le presentazioni selezionate figurano la Biennale di Venezia, la Biennale Teatro di Venezia, lo Stedelijk Museum di Amsterdam, il PS1 di New York, il MAC – Musée d’Art Contemporain di Montréal, il MAK – Museum of Applied Arts di Vienna, il National Art, lo ZKM – Center for Art and Media di Karlsruhe, il Museum of China di Pechino, il National Museum for Contemporary Art di Seoul, l’ICC di Tokyo, l’Arte Alameda di Città del Messico, il MONA – Museum of Old and New Art di Hobart, in Tasmania, l’Arte di Sharjah, negli Emirati Arabi Uniti e la Power Station of Art di Shanghai.
Per Cadenza, Hentschläger presenta una nuova opera intitolata ST.rom. Questa opera è uno dei numerosi lavori di animazione 3D generativa e sonora in tempo reale realizzati dall’artista a partire dal 2004. Quando il pubblico entra nello spazio virtuale di oscurità e nebbia, vede un cerchio rotondo. Vortici di corpi indistinti si muovono come una massa astratta. La sensazione generata da queste forme mutevoli e vorticose lascia lo spettatore con un senso di disperazione e confinamento. Sembra che non ci sia via d’uscita per le immagini catturate in una sfera di spazio a gravità zero. La musica dell’opera incorpora sia schemi algoritmici ripetuti sia passaggi spontanei improvvisati. A volte il suono di ST.rom deriva anche da fattori quali il movimento e il comportamento dello sciame e i cambiamenti di luce e colore.
Miao Xiaochun
Miao Xiaochun, uno dei più influenti artisti dei nuovi media della sua generazione, è nato nel 1964 a Wuxi, in Cina. Ha conseguito un master presso l’Accademia Centrale di Belle Arti di Pechino, Cina, diplomandosi nel 1989, prima di intraprendere un secondo master presso la Kunsthochschule Kassel, Kassel, Germania, diplomandosi nel 1999. Le opere di Miao sono presenti in importanti collezioni private e museali di tutto il mondo. Ha esposto ampiamente a livello internazionale e nazionale in musei, gallerie e biennali. Attualmente vive a Pechino e insegna all’Accademia Centrale di Belle Arti nel Dipartimento di Fotografia e Media Digitali.
Miao fa riferimento al canone dell’arte occidentale, ma esplora anche i concetti del ruolo della memoria culturale e interculturale, spesso utilizzando la propria figura come elemento chiave. In Gyro Dance, Miao esplora il complesso rapporto dell’uomo con la tecnologia e le macchine. Per l’opera ha scansito il suo corpo in 3D usando il motion capture open-source per creare una serie di movimenti quotidiani. Questi movimenti quotidiani sono diventati surreali e assurdi quando sono stati accelerati, creando un effetto visivo comico e nonsense. Miao pone la semplice domanda: “Chi siamo e dove ci sta portando la tecnologia?”.
Miao è lieto di esporre quest’opera a Milano perché è stata fortemente influenzata dai futuristi italiani. Pur condividendo il senso del movimento, del flusso e dell’accadere del futurismo italiano, Gyro Dance è futuristica in senso più ampio: un giroscopio in movimento non solo ricorda il movimento delle figure nelle opere, ma simboleggia anche un oggetto all’interno del quale possono coesistere sfere temporali ed eterne. Miao ha sperimentato 15 diversi tipi di musica da abbinare ai movimenti delle sue animazioni, decidendo infine di utilizzare il 5° movimento di Beethoven. Concettualmente ha apprezzato il contrasto tra questo brano antico e senza tempo e i movimenti veloci e iperfuturistici della vita quotidiana. Il pezzo sfida il ruolo che l’uomo e la macchina giocano in un duetto attraverso il tempo e lo spazio.
Claudia Hart
Claudia Hart è stata una pioniera dell’arte digitale negli ultimi 20 anni. È considerata una delle prime innovatrici nel campo delle immagini virtuali, utilizzando l’animazione 3D per realizzare installazioni e proiezioni multimediali e successivamente, di volta in volta la loro invenzione, altre forme di VR, AR e oggetti utilizzando macchine di produzione guidate da computer, caratterizzate dagli stessi modelli informatici. Molte delle opere di Hart hanno sconfinato anche nelle aree della performance e del teatro dal vivo.
La Hart insegna Experimental 3D alla School of the Art Institute di Chicago, dove ha sviluppato il primo programma educativo che insegna le tecnologie di simulazione in un curriculum orientato all’arte contemporanea. Le opere della Hart sono presenti in collezioni permanenti di tutto il mondo, tra cui il Whitney Museum of American Art, il Museum of Modern Art e il Metropolitan Museum.
Inside the Flower Matrix fa parte di una serie di opere d’arte XR che reimmaginano il mondo di Alice di Alice e il Paese delle Meraviglie come un labirinto senza fine. Questo nuovo mondo fa parte dell’Interweb. Le sue emoji lampeggianti disorientano, in quanto icone di potere, denaro, dipendenza e controllo. Il labirinto della Hart non ha un minotauro, ma diventa allo stesso tempo un internet simbolico e, come lei stessa dice, “una metafora per un modello della mente e un luogo di trasformazione”. Il mio lavoro riflette un’estetica della falsità in cui la tecnologia ha sostituito la natura, dolce come lo zucchero e tossica come la chimica in egual misura”. La Hart ha collaborato con diversi musicisti per creare un paesaggio sonoro originale, lavorando con il compositore Edmund Campion, suo collaboratore di lunga data, e con la violoncellista Danielle DeGruttola, che ha improvvisato un accompagnamento mentre guardava il video della Hart. La DeGruttola ha lavorato con le voci e i testi creati dalla Hart e da Mikey McParlane. Il paesaggio sonoro della Hart è curato in modo altrettanto ossessivo delle sue immagini, e mette in evidenza le possibilità che esistono in questa nuova frontiera.
Sophie Kahn
Sophie Kahn è un’artista e scultrice digitale il cui lavoro affronta l’incapacità della tecnologia di catturare il corpo umano instabile. Originaria di Melbourne, Australia, vive e lavora a Brooklyn, New York. Ha conseguito un BA (Hons) in Belle Arti/Storia dell’Arte presso il Goldsmiths College dell’Università di Londra, un Graduate Certificate in Spatial Information Architecture presso la RMIT University di Melbourne e un MFA in Art and Technology Studies presso la School of the Art Institute di Chicago. Kahn è co-conduttrice del canale YouTube File Exchange e collabora come mentore con NewInc. Tra le sue residenze passate figurano il Museum of Arts and Design di New York, Pioneer Works di Brooklyn e la Elizabeth Foundation for the Arts di New York.
Kahn ha esposto il suo lavoro a New York, Los Angeles, Londra, Parigi, Sydney, Tokyo, Osaka e Seoul. I suoi lavori video sono stati proiettati in festival come Transmediale, Zero1 San Jose Biennial, Dance Camera West, Trampoline, Frequency, Currents New Media Festival e il Japan Media Arts Festival.
Cosa succede al corpo umano quando viene digitalizzato e trasmesso in altri spazi? Questa è la domanda che si pone la Kahn. L’artista è da tempo impegnata nella scansione dei corpi e nella creazione di sculture stampate in 3D a partire dai dati frammentati della scansione corporea. Nella sua pratica artistica si confronta spesso con le idee su morte e tecnologia ed è incuriosita dai modi in cui lo scanner 3D non riesce a catturare la forma umana. È anche consapevole della storia del modo in cui il corpo femminile è stato catturato e ricreato nel tempo. Per questo lavoro, la Kahn ha lavorato con danzatori Butoh al Pioneer Works di Brooklyn. Ha chiesto alle ballerine di cadere mentre le scansionava, poi ha invertito e scolpito i risultati per cancellare gli effetti della gravità. I loro corpi sono stati smaterializzati, alterati, trasmessi e reimmaginati. Questa caduta fa parte di un particolare tipo di allenamento Butoh per i ballerini. La Kahn ha notato che spesso in queste “cadute di prova” i danzatori si procuravano lividi o graffi. Si è quindi interessata a come una stampante a scansione 3D potesse catturare questi atti e a come le figure risultanti esistessero nello spazio digitale.
Per Cadenza, la Kahn espone una delle sue sculture di danza Butoh nello spazio espositivo principale, oltre a Dematerialized: Live stream performance, una performance Zoom avvenuta durante la pandemia con due danzatrici Butoh (Azumi Oe e Sindy Butz) e la musica di Jesse Perlstein. La performance è stata poi reinterpretata in un ambiente immersivo in Mozilla Hubs. I movimenti dei ballerini sono trasformati dalla fotocamera digitale. L’interpretazione diventa effimera, soffermandosi su alcune parti del corpo e movimenti specifici. Il pubblico è circondato dalla rappresentazione digitale dei ballerini in movimento, incapace di decidere dove guardare mentre i corpi li circondano nel movimento. I ballerini hanno poi lavorato con un compositore per aggiungere una musica che si adattasse ai loro movimenti.
Ranbir Kaleka
Ranbir Kaleka è un pioniere della new media art, originario di Delhi e formatosi come pittore. Dagli anni ’80, il lavoro di Ranbir Kaleka si è confrontato con i fenomeni del mondo digitale e fisico. In 40 anni di carriera artistica, l’artista ha esposto in musei, gallerie e biennali di tutto il mondo. Insignito del Premio Nazionale dal Presidente dell’India in occasione della ventiduesima Esposizione Nazionale d’Arte del 1979, Kaleka si è diplomato in pittura presso il College of Art di Chandigarh. Ha ricevuto una borsa di studio Charles Wallace per studiare arte al Royal College of Art di Londra. Tra le biennali e le triennali figurano la Kochi-Muziris Biennale, la FotoFest International biennale, la quarta Triennale di Guangzhou, la cinquantunesima Biennale di Venezia, la Biennale di Sydney e musei internazionali tra cui Palazzo Madama, Torino, Italia (2021-2022); Kiran Nadar Museum of Art, (Nuova Delhi); Hong-gah Museum, (Taipei), Tel Aviv Museum of Art, Singapore Art Museum, Museum of Fine Arts (Berna), Mori Art Museum (Tokyo) e Spertus Museum (Chicago). .
The Music Room è stato originariamente commissionato dal Mori Museum di Tokyo. Il video e la fusione audio che ne derivano riflettono la musica della regione indiana del Punjab. La musica in sé spazia dal Punjab pop, una fusione di musica elettronica e folk, che, una volta diffusa nel cinema indiano, è diventata un significante culturale per una celebrazione. La musica riflette diversi stili dalle molte tradizioni del Punjab, tra cui folk, sufi e classica. Al centro della musica c’è una narrazione della vita quotidiana, che si tratti della nascita di un bambino, del raccolto o di una riflessione sulle turbolenze politiche. Gli abbinamenti visivi riflettono il cambiamento del paesaggio, da quello rurale a quello urbano, visto da esseri in miniatura o più grandi della vita che si affacciano da un ambiente grigio per guardare fuori da finestre e porte magiche che mostrano scorci del Punjab in un tono comico e vibrante. In questo lavoro la musica è stata scelta prima e abbinata successivamente al video.
Tamiko Thiel
Tamiko Thiel lavora da oltre 35 anni come artista. Pioniere nel campo dell’arte e della tecnologia, lavora esplorando l’interazione tra luogo, spazio, corpo e identità culturale con un taglio socio-politico. La Thiel è stata insignita del premio “Pioniere visionario” del SAT Montreal nel 2018. La signora Thiel è stata progettista principale della Connection Machine CM-1/CM-2 (1986/1987), il primo supercomputer di intelligenza artificiale e nel 1989 il più veloce al mondo. Ha influenzato la tecnologia AI di Google e ha ispirato i progetti di Steve Jobs. Il suo design della Connection Machine è presente nelle collezioni del MOMA di New York e dello Smithsonian Institution. La sua arte MR è stata ampiamente esposta in musei, festival multimediali e biennali. Ha opere importanti nelle collezioni del MoMA e del Whitney e di altri musei internazionali. Nel 2022 il Kunstverein Wolfsburg ha organizzato una mostra retrospettiva personale del suo lavoro.
Suspended Spring è un’installazione AR site-specific. Non appena gli spettatori dell’arte entrano nella mostra virtuale, vengono accolti dalla caduta di fiori di ciliegio abbinati a una melodia irriconoscibile. La canzone Sakura (fiori di ciliegio) è distorta al di là del riconoscimento. In Giappone, i fiori di ciliegio rappresentano la bellezza e l’impermanenza della vita. Suspended Spring è stata creata durante la seconda primavera della pandemia, consentendo a chiunque disponesse dell’app ARpoise di visualizzare l’opera d’arte e di portare la primavera nelle proprie case in un periodo in cui le persone non potevano lasciarle.
Martina Menegon con Alexander Martinz
Martina Menegon è un’artista digitale, curatrice ed educatrice con sede a Vienna. È artista senior e docente presso il dipartimento di Transmedia Art dell’Università di Arti Applicate di Vienna, dove insegna Digital Design e Virtuality. Inoltre, è vicedirettrice e curatrice del CIVA Festival for New Media Art e responsabile dell’Extended Reality e curatrice dell'”Area for Virtual Art” per conto di sound:frame. Il lavoro della Menegon è apparso in numerose mostre internazionali, sia online che offline, e si trova in molte collezioni digitali e offline, oltre che in diversi spazi online permanenti.
Per il suo pezzo every now and then I fall apart, Martina Menegon ha collaborato con il sound artist e compositore Alexander Martinz. All’esterno dello spazio espositivo principale, lo spettatore incontra una scultura rotante basata su un “autoritratto glitchato”. Come in tutti i lavori della Menegon, le prime apparenze sono fuorvianti e solo dopo aver osservato la lenta rotazione si scopre un’immagine completa. Per vedere l’opera completa, il pubblico deve teletrasportarsi nella stanza immersiva in cui si trova l’opera. Anche in questo caso, il pubblico viene accolto dalla scultura che ruota molto lentamente e dalla traccia audio della canzone “Total Eclipse of the Heart”, distorta in diverse tracce. La Menegon racconta che durante la pandemia ascoltava ossessivamente questa canzone. L’opera è inquietante in modo magistralmente viscerale.
Matthew D. Gantt
Matthew D. Gantt è un artista, compositore ed educatore con sede a New York City e Troy, NY. La sua pratica si concentra sul suono negli spazi virtuali, sui sistemi generativi facilitati dalla tecnologia idiosincratica e sui preset di produzione digitale come readymade sonori. Ha lavorato come assistente in studio del pioniere dell’elettronica Morton Subotnick dal 2016 al 2018 e ha partecipato attivamente alla comunità creativa internazionale, presentando o esibendosi in spazi come Pioneer Works, Issue Project Room, Roulette, Babycastles, SVA Visible Futures Lab, Feral File, IRCAM, Mutek Mexico e ICST Zurich. Gantt pubblica musica con Orange Milk e Oxtail Recordings, è membro dell’incubatore creativo NEW INC del New Museum e ha insegnato composizione sperimentale in numerose istituzioni. Nell’autunno 2019 è entrato a far parte del programma Games and Simulation Arts and Sciences (GSAS) presso il Rensselaer Polytechnic Institute/EMPAC, occupandosi di ricerca sul suono spaziale nella realtà virtuale, sulla performance telematica e sulla simulazione software come mezzo compositivo.
Gantt ha creato una serie vertiginosa di oggetti programmati in ambienti virtuali che generano da soli i propri paesaggi musicali. Come dice lui stesso, “sono interessato al dialogo tra la realtà virtuale, la computer grafica 3D e la storia della musica sperimentale e del suono elettronico. Così come le possibilità offerte dagli ambienti digitali 3D sollevano questioni di ‘sito’, spazio, interfaccia e incarnazione, questi spazi suggeriscono risonanze con la composizione per il suono spaziale, l’audio immersivo e le questioni di performance e produzione nella musica digitale”.
Nell’opera Simulation IV, Gantt si interroga sul nostro rapporto fisico con il suono nello spazio virtuale. L’artista definisce l’opera una “scultura sonora” audiovisiva. In quest’opera, Gantt è meno interessato a una narrazione o a un tema e più a una sorta di “curiosità materiale”. Egli ricava le immagini visive e la maggior parte dei suoni da librerie disponibili in commercio e poi li rielabora in composizioni visive/uditive. Nel suo processo crea un ambiente 3D in cui può collegare tutte le sue apparecchiature sonore (sintetizzatori, campionatori, sequencer, ecc.) al motore di gioco, consentendogli di associare il movimento al suono in modo generativo; certi movimenti attiveranno certi suoni. Allo stesso modo, i suoni possono generare il movimento degli oggetti, creando così un ciclo di feedback. Gantt vede il futuro della musica contenere “…nuove forme di musica, forse un album di software che cresce e cambia ogni volta che lo si suona, o una scultura audiovisiva in 3D che si può mettere nel proprio spazio metaverso per condividerla con gli amici, ecc.
Kim Joon
Kim Joon è un artista di Seoul che ha conseguito un master all’Università di Hongik e attualmente lavora come professore all’Università Nazionale di Kongju. È diventato famoso negli anni ’90 per le sue foto e i suoi video stravaganti di corpi tatuati digitalmente con loghi aziendali. Il lavoro di Kim Joon è stato esposto in numerose mostre personali a livello internazionale e in biennali in tutto il mondo. Sebbene abbia utilizzato ampiamente le tecnologie digitali, questa è la sua prima mostra virtuale.
Per Cadenza, Joon espone la sua opera Blue jeans blue. Nell’opera, diverse paia di blue jeans e strumenti musicali sono animati da una canzone degli ZZTop. Ciascuno degli strumenti musicali porta il nome di una diversa rock band della giovinezza dell’artista. Anche se di natura comica, l’opera guarda a un’epoca a cui l’artista non potrà mai tornare e rappresenta una sorta di memento mori della sua giovinezza. Nella sala immersiva di Kim Joon le animazioni vi circondano, facendovi entrare in un’epoca ormai passata.
Portrait XO
Portrait XO è una ricercatrice e artista indipendente che crea opere musicali e visive con metodi tradizionali e non. In collaborazione con Dadabots (CJ Carr) ha vinto il premio “Best Experiment” ai VUT Indie Awards 2021 e il voto della giuria dell’Eurovision AI Song Contest per l’uso più creativo dell’IA nel 2020. Il suo sviluppo nell’arte audiovisiva AI si è sviluppato attraverso diverse residenze d’artista presso il NEW NOW FESTIVAL e la BBA Gallery nel 2021, e la Factory Berlin x Sonar+D nel 2020. Ricerca la creatività computazionale, la collaborazione uomo-macchina ed esplora nuovi formati e applicazioni per l’arte e il suono del futuro.
In Cadenza, AIV1 è un esempio di composizione audiovisiva generativa. Il brano è stato creato in collaborazione tra Portrait XO e il suo “altro sé” AI, tratto dal primo singolo del suo ultimo album AI “WIRE”. Per creare il pezzo, il suo collaboratore CJ Carr di (Dadabots) ha inserito in un modello SampleRNN personalizzato un’ora di canto di Portrait XO. Questo ha permesso all’IA o GAN (Generative Adversarial Network) di creare dieci ore di nuovo audio. Portrait Xo ha utilizzato una GAN (o rete generativa avversaria) per creare una traccia audio basata sul suo canto, poi combinata con le risposte di due modelli di IA addestrati a generare casualmente immagini basate su prompt di liquidi che si sciolgono, cascate olografiche, robot e buchi neri. Gli input specifici utilizzati per questo video erano immagini di vasi combinate con concetti astratti e onirici come liquido in fusione, cascate olografiche, robot e buchi neri. I modelli AI reagiscono visivamente al ritmo e all’ampiezza della pulsazione, creando un’esperienza audiovisiva unica, generata in modo casuale ed esteticamente piacevole.
Matteo Zamagni
Matteo Zamagni è un new media artist italiano con sede a Londra. Si occupa di arti visive, installazioni multimediali, produzione cinematografica e musica elettronica, utilizzando la tecnologia come strumento per creare video immersivi e interattivi, installazioni e performance. La sua pratica collega idee di spiritualità, arte e scienza per creare opere che esplorano i temi della coscienza, del corpo come interfaccia percettiva e dell’impatto espansivo dell’uomo sugli ecosistemi.
Il suo lavoro è stato presentato in mostre internazionali, tra cui Times Square Midnight Moment, New York, 2017; Moving Image Art Fair, New York, 2017; Gazelli Art House, Londra, 2016; Barbican Centre, Londra, 2015; e Lumen Prize, varie città, 2016-17.
Per Cadenza Zamagni esplora le connessioni non dette tra scienza e spiritualità. Le forme astratte che si percepiscono sono tutte generate da frattali matematici. Questi frattali derivano dal mondo naturale in cui viviamo. Zamagni è interessato a collegare le scale macro e micro dell’universo e alle intersezioni dei livelli di coscienza.
La musica dell’astrazione naturale è stata creata da Daniel Ben Hur. Ha usato un software (Abelton) per creare musica dopo aver visto il pezzo visivo a 360 gradi. Hur ha sviluppato la traccia sonora utilizzando la tecnica dei battiti binaurali, immettendo nell’orecchio destro e sinistro due frequenze diverse che si combinano nella mente dell’ascoltatore per creare la frequenza effettiva che sperimenta. Con questo progetto sonoro, sia Hur che Zamagni volevano facilitare gli stati di rilassamento e indurre specifici stati mentali associati a stati meditativi profondi.
